Le costume de personnage au cinéma et au théâtre : principes et méthode

Ce que raconte un costume

Un costume n'est pas un vêtement choisi pour être beau. Il transmet des informations de lecture immédiate : âge, classe sociale, métier, époque, pays, rapport du personnage à son image. Il peut aussi raconter une évolution : le personnage qui se transforme change souvent de vêtements avant de changer de comportement.

Le costume sert enfin l'acteur. Une paire de chaussures, un corset, un manteau trop lourd modifient la démarche, la posture et le rythme. Beaucoup de comédiens disent trouver leur personnage au moment des essayages, quand le corps se met à bouger autrement.

La silhouette : lisible de loin

La première chose que perçoit le spectateur est la forme générale. Une silhouette forte se reconnaît en ombre chinoise : le casque et la cape de Dark Vador, le chapeau et le blouson d'Indiana Jones, la petite robe noire d'Audrey Hepburn dans Diamants sur canapé (1961), signée Givenchy. Au théâtre, où le public est loin, la silhouette compte encore davantage que le détail.

Travaillez par masses et proportions : épaules élargies pour l'autorité, vêtements amples qui font disparaître le corps, lignes verticales qui allongent, découpes qui raidissent. Comparez ensuite les silhouettes de tous les personnages d'une même scène : elles doivent se distinguer entre elles.

La couleur et la matière

La couleur se décide pour l'ensemble du film ou du spectacle, en accord avec le décor et la lumière. On attribue souvent une palette à chaque personnage ou à chaque groupe, et on la fait évoluer avec l'histoire. Un exemple célèbre est le manteau rouge de la petite fille dans La Liste de Schindler (1993), seule tache de couleur dans un film en noir et blanc.

La matière dit autant que la couleur : laine épaisse, soie, cuir, synthétique, tissu élimé. À l'écran, la caméra révèle la texture en gros plan ; certains tissus réagissent mal à la lumière ou produisent du moiré. Le costumier fait des essais caméra avec le chef opérateur avant le tournage.

• Couleurs saturées : personnage qui veut être vu, ou monde stylisé
• Couleurs éteintes : effacement, deuil, réalisme social
• Contraste avec le décor : isoler un personnage
• Ton sur ton avec le décor : le fondre dans son milieu
• Changement de palette : signaler un tournant de l'arc

Époque et documentation

Pour un film d'époque, le travail commence par la recherche : peintures, photographies, catalogues de grands magasins, vêtements conservés dans les musées et les collections. Il faut connaître la coupe, mais aussi la façon dont les gens portaient leurs vêtements : on ne se tient pas de la même façon dans un corset du XIXe siècle que dans un jean.

L'exactitude historique n'est pas toujours le but. Milena Canonero, pour Barry Lyndon (1975) de Stanley Kubrick, s'est appuyée sur des vêtements et des peintures du XVIIIe siècle pour une reconstitution très fidèle ; pour Marie-Antoinette (2006) de Sofia Coppola, elle a au contraire mêlé l'époque à des couleurs et des références contemporaines. Les deux films lui ont valu l'Oscar. Le choix dépend du propos de la mise en scène.

Patine et vieillissement

Un costume neuf sonne faux. Les ateliers pratiquent la patine (en anglais breakdown) : lavages répétés, ponçage, teinture, salissures, déchirures, usure aux coudes et aux genoux, sueur aux aisselles. Le vêtement doit sembler porté depuis des années par ce personnage précis, avec ses gestes et son métier.

Le vieillissement suit aussi la continuité de l'histoire. Un personnage qui traverse un désert ou une guerre se dégrade d'une scène à l'autre ; on prévoit alors plusieurs exemplaires du même costume à différents stades d'usure, plus des doubles pour les cascades et les scènes salissantes. Mad Max : Fury Road (2015), dont les costumes de Jenny Beavan ont été récompensés par l'Oscar, illustre ce travail poussé de patine sur tout un monde.

Le chef costumier et son équipe

Au cinéma, le créateur ou chef costumier conçoit les costumes à partir du scénario et des échanges avec le réalisateur. Il dépouille le script pour lister chaque personnage, chaque changement de tenue et chaque scène, réalise ou fait réaliser des dessins et des planches d'intention, choisit les tissus, puis supervise la fabrication, la location ou l'achat des pièces.

Il travaille avec une équipe : assistants, coupeurs et couturiers en atelier, teinturiers et patineurs, habilleurs sur le plateau qui veillent au raccord d'une prise à l'autre. Au théâtre et à l'opéra, le costume doit en plus résister à des dizaines de représentations, permettre des changements rapides en coulisse et laisser l'interprète respirer, chanter ou danser.

• Lecture et dépouillement du scénario
• Recherche documentaire et planches d'intention
• Croquis et choix des matières
• Fabrication, location ou achat
• Essayages avec les comédiens
• Patine, doublures, essais caméra
• Suivi des raccords pendant le tournage

Quelques grands créateurs de costumes

Edith Head, costumière vedette de Paramount puis d'Universal, détient le record de huit Oscars, notamment pour Vacances romaines et L'Arnaque. Colleen Atwood a marqué l'univers visuel de Tim Burton, d'Edward aux mains d'argent à Sweeney Todd. Ruth E. Carter est devenue en 2019, avec Black Panther, la première personne noire à remporter l'Oscar de la meilleure création de costumes.

En France, le César des meilleurs costumes récompense chaque année ce métier. Observer leur travail est une excellente école : regardez un film en coupant le son et demandez-vous ce que chaque costume vous apprend sur le personnage.

Pour un scénariste ou un romancier, la leçon est simple : décrivez le costume quand il apporte une information que rien d'autre ne donne, et choisissez le détail le plus parlant plutôt qu'une liste. Une cravate desserrée ou des chaussures trop neuves en disent souvent plus qu'un paragraphe.

Questions fréquentes